In un’intervista a Joe Hisaishi condotta da Adam Wescott per Crunchyroll.com, il famoso compositore giapponese ha parlato sia della sua carriera musicale che del suo coinvolgimento nel nuovo film anime di Hayao Miyazaki, The Boy and the Heron (Kimi-tachi wa Dō Ikiru ka, letteralmente Come si vive?), uscito nelle sale del Giappone lo scorso 14 luglio.
Hisaishi spiega di aver visto alcune parti del film prima di iniziare a comporre la colonna sonora, per comprendere i temi e l’atmosfera generale dell’opera. Questo gli ha permesso di creare una musica che si adattasse perfettamente alle scene e ai personaggi.
Durante l’intervista, Hisaishi riflette sulla sua lunga collaborazione con Miyazaki e afferma che il regista gli affida sempre libertà creativa nel comporre. Tuttavia, Hisaishi riconosce di aver avuto una sfida nell’affrontare The Boy and the Heron a causa della sua natura leggermente diversa rispetto ai precedenti lavori. La storia affronta temi come l’adolescenza e la crescita, diversi da quelli a cui era abituato.
Hisaishi parla anche del processo di composizione, spiegando che cerca sempre di comprendere la visione del regista per rendere la musica un elemento cruciale nel racconto. Afferma che la colonna sonora di The Boy and the Heron offre una combinazione di melodie ben note agli appassionati di Miyazaki e di pezzi nuovi ed emozionanti.
La conversazione si conclude discutendo dei prossimi progetti di Hisaishi e del suo rapporto con il pubblico internazionale. Hisaishi si dice molto grato per il sostegno ricevuto oltre i confini del Giappone e spera che il suo lavoro continui a essere apprezzato in tutto il mondo.
I fan potrebbero non sapere che il nome Joe Hisaishi è uno pseudonimo ispirato al musicista Quincy Jones. Cosa l’ha ispirata a scegliere questo nome?
“All’inizio degli anni Ottanta volevo affermarmi come musicista e artista commerciale. Per farlo, avevo bisogno di un nome che fosse facilmente riconoscibile dal pubblico occidentale. Quincy Jones è sempre stato una fonte di ispirazione musicale per me, quindi ho scelto il mio nome come lui – il nome di Jones si traduce approssimativamente come ‘Joe Hisaishi’ in Kanji”.
Lei ha espresso un’affinità con il minimalismo, uno stile di composizione associato a creatori come Phillip Glass e Arvo Pärt. Può spiegare come ha scoperto questo stile? Che cosa la attraeva allora? E adesso?
“Quando ero al liceo, prendevo lezioni di pianoforte per studiare all’università di musica. Ascoltavo tutti i tipi di musica jazz, oltre a Shostakovich, Schönberg, Webern, Berg e Boulez. In quel periodo mi imbattei anche in ‘A Rainbow in Curved Air’ di Terry Riley. La sua innovazione mi ha sconvolto e mi ha ispirato a esplorare compositori minimalisti come Steve Reich, Philip Glass e Arvo Pärt”.
Lei ha studiato con Takeo Watanabe, compositore di classici come Heidi, Girl of the Alps e Mobile Suit Gundam. Che cosa ha imparato grazie alla sua guida? In che modo il suo processo di composizione differisce dal suo?
“È stato un grande privilegio ricevere un insegnamento da un compositore così esperto come Takeo Watanabe. Ogni compositore ha il proprio metodo o approccio, e io sento di aver preso alcuni degli insegnamenti di Takeo e di averli incorporati nelle mie opere. Naturalmente le mie opere differiscono a seconda dei progetti specifici o dei film a cui lavoro, e il mio suono è passato da minimalista a più orchestrale”.
Com’è stato comporre la musica per The Boy and the Heron? Cosa vorrebbe che il pubblico traesse dal suo lavoro sul film?
“Ogni volta che inizio a lavorare alla musica di un nuovo film di Hayao Miyazaki mi preparo mentalmente. Per The Boy and the Heron ho pensato al ‘mondo’ e alla musica che volevo creare. Voglio che la mia musica catturi l’emozione e l’immaginario durante la visione del film. È stato un processo lungo ma piacevole”.
Con quali altri artisti (compositori, registi o altro) le piacerebbe collaborare un giorno?
“Terry Riley sarà un compositore/performer ospite del mio prossimo ‘Music Future Vol. 10′”.
Ryuichi Sakamoto, co-fondatore della Yellow Magic Orchestra, è scomparso lo scorso aprile. Come fan del musicista, ha influenzato la sua carriera? Quale pensa sia l’effetto duraturo del suo lavoro?
“Ryuichi Sakamoto mi ha ispirato a lavorare con l’ambiente circostante. Il suo lavoro spazia tra diversi generi e questo mi ispira. Ha assorbito l’ambiente che lo circondava e ha trovato un modo per far sì che la sua musica lo riflettesse: emotiva, in levare, con suoni techno o delicati di pianoforte. Mi piace pensare che anche io mi avvicini alla mia musica in questo modo”.
Japanese musician, composer, record producer, pianist, activist, writer, actor and dancer Ryuichi Sakamoto poses on June 30, 2016 in Paris. (Photo by JOEL SAGET / AFP) (Photo by JOEL SAGET/AFP via Getty Images)
Il pianoforte svolge un ruolo significativo in tutto il suo lavoro. Cosa trova più attraente di questo strumento? Quali altri strumenti le piace utilizzare nella composizione?
“Da piccolo ho studiato violino, ho suonato gli ottoni ed ero un grande appassionato di cinema, quindi sembra che fosse scritto nelle stelle che la musica e il cinema avrebbero avuto un ruolo importante nella mia vita”.
Lavora da casa o in ufficio? Mattina, pomeriggio o sera? Quando trova più facile comporre?
“Compongo ogni giorno. In genere la mia giornata inizia componendo o esercitandomi al pianoforte, e dopo una pausa pranzo compongo fino a sera presto. Dopo cena studio le partiture per i prossimi concerti”.
Lei ha composto musica sia per film d’animazione che per film live action. Quali aspetti di questo processo sono uguali per entrambi e quali invece sono diversi?
“Per comporre la musica di tutti i film, sia d’animazione che live action, mi assicuro di comprendere appieno i personaggi, la storia e le immagini prima di iniziare il mio lavoro. La comprensione completa del quadro generale è alla base di gran parte del mio processo creativo”.
Prima di comporre musica per ensemble, lei ha fatto uso di sintetizzatori. Quali sfide uniche presentano i sintetizzatori nella composizione di musica?
“Un sintetizzatore è unico in quanto può produrre singole note o combinarne molte per creare accordi. La sfida consiste nel creare qualcosa di nuovo, una melodia che non è stata suonata prima per generare una canzone e un suono che catturi diversi strumenti. Anche se è una sfida, fa parte del divertimento!”
Recentemente ha composto le musiche per l’adattamento teatrale de Il mio vicino Totoro. Com’è stato rivisitare per il palcoscenico il suo precedente lavoro sul film di Totoro? In che modo comporre per il teatro è diverso dal cinema?
“Il mio vicino Totoro è uscito anni fa, quindi poter rivisitare questo pezzo per il palcoscenico mi fa rivivere le sensazioni che provavo quando lavoravo a questo film. La maggior parte dei miei progetti sono impegnativi, ma anche gratificanti, e sono molto felice di poter eseguire questa musica per il palcoscenico.
È anche diverso dal film al palcoscenico perché c’è un’ambientazione completamente nuova. I personaggi sono persone reali, la storia viene raccontata da una nuova prospettiva. C’è un’angolazione nuova e fresca per l’orchestra quando suona per il palcoscenico che, secondo me, rende l’esecuzione per il teatro diversa da quella per il cinema”.
Satsuki (Ami Okumura Jones) e Mei (Mei Mac).
L’album di prossima uscita, “A Symphonic Celebration”, dà vita al suo lavoro originale in un modo nuovo, con un arrangiamento sinfonico. Com’è stato rivisitare questo lavoro e cosa spera che gli ascoltatori traggano da questi nuovi arrangiamenti?
“‘A Symphonic Celebration’ celebra davvero i lavori del passato, ma gli è stata data una nuova vita. È come ricordare il momento. Mi ha portato tanta gioia lavorare a questo album e spero che i miei ascoltatori possano ricordare le loro esperienze legate alla musica”.
C’è qualcos’altro che vorrebbe dire ai suoi fan e agli altri creatori di tutto il mondo?
“Spero che la mia musica possa portare un senso di conforto, gioia e felicità ai miei ascoltatori”.
Fonti consultate: Cruncnyroll.
